Avec “Promis le ciel” sorti le 28 janvier, la réalisatrice franco-tunisienne Erige Sehiri signe un deuxième long métrage qui aborde avec sensibilité et nuance les thèmes de la migration, du racisme et de la sororité en Afrique du Nord.

Présenté dans la section “Un certain regard” au dernier Festival de Cannes, “Promis le ciel” suit le parcours de trois femmes ivoiriennes et d’une petite fille orpheline confrontées au racisme en Tunisie. Marie, pasteure ivoirienne et ancienne journaliste, vit à Tunis. Elle héberge Naney, une jeune mère en quête d’un avenir meilleur, et Jolie, une étudiante déterminée qui porte les espoirs de sa famille restée au pays.

Quand les trois femmes recueillent Kenza, 4 ans, rescapée d’un naufrage, leur refuge se transforme en famille recomposée tendre, mais intranquille dans un climat social de plus en plus préoccupant.

A voir, la bande-annonce du film “Promis le ciel” de Erige Sehiri:

Une autre perspective sur la migration

Dans le 12h45 du 30 septembre dernier à l’occasion d’une avant-première genevoise, la réalisatrice Erige Sehiri expliquait son choix de traiter ce sujet: “On parle déjà très très peu de la migration en terre africaine, alors qu’en réalité elle est majoritaire. On parle beaucoup des migrants qui vont vers l’Europe, alors que 80% de la migration se fait à l’intérieur de l’Afrique”. Avec “Promis le ciel”, la cinéaste franco-tunisienne souhaite offrir une perspective différente sur la question migratoire, en se concentrant sur les déplacements intra-africains et en mettant en lumière les parcours féminins, souvent négligés dans les récits sur la migration.

Le film s’attache à présenter des personnages complexes et nuancés, loin des stéréotypes habituels sur les migrants. Une approche qui permet de mettre en avant la diversité des parcours migratoires et la singularité de chaque histoire individuelle.

Pour incarner ces personnages, Erige Sehiri a fait appel à des actrices engagées, notamment Aïssa Maïga, connue en France pour ses positions contre le racisme.

Un contexte politique tendu

Le film s’inscrit dans un contexte politique complexe en Tunisie. En 2023, le président tunisien a accusé la population subsaharienne de menacer l’identité arabo-musulmane du pays, provoquant une vague de racisme anti-noir. “Ces questions ne sont pas réglées, c’est encore sensible, difficile pour la population migrante qui essaye de trouver sa place”, commentait Erige Sehiri. Elle soulignait également l’influence des pressions européennes sur la politique migratoire tunisienne.

Malgré la sensibilité du sujet, “Promis le ciel” adopte une approche bienveillante et nuancée. Le film ne se contente pas de dépeindre les difficultés, mais montre aussi des moments de joie et d’espoir dans la vie des personnages.

Un appel au dialogue

Après son premier long métrage “Sous les figues” (2002), une immersion dans un verger au plus près de jeunes cueilleuses de figues, Erige Sehiri a poursuivi ici son exploration sensible de la réalité à travers la fiction.

La réalisatrice espère que son film, à la fois politique et poétique, pourra contribuer à ouvrir un dialogue sur les questions de racisme et de migration en Tunisie et ailleurs. Pour Erige Sehiri, il est important de pouvoir critiquer et questionner son pays tout en l’aimant, afin de faire face aux défis sociaux actuels.

Propos recueillis par Julie Evard – RTS Culture +World Opinion

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Fiction autour d’une amitié entre un enfant et un panda, le dernier film de Gilles de Maistre sorti le 9 avril a été tourné dans une réserve chinoise avec de vrais animaux et sans effets spéciaux. La réalisation de “Moon le panda” a constitué un gros défi pour le cinéaste français.

“Le pari exceptionnel de ce film était de mettre en présence un vrai panda et un vrai enfant, de montrer à quel point on peut nouer des relations et à quel point c’est magique et beau”, résume avec enthousiasme Gilles de Maistre dans l’émission Vertigo du 9 avril.

Journaliste et réalisateur, le Français a d’abord tourné des documentaires avant de réaliser plusieurs films autour de la relation entre un animal et un enfant (“Mia et le lion blanc”, Le loup et le lion”, “Le dernier jaguar”). Des fictions tournées uniquement avec de véritables animaux, sans trucages ni images de synthèse, afin de ne pas tomber dans l’anthropomorphisme.

Sa dernière fiction, “Moon le panda”, continue sur cette lancée. Elle raconte l’amitié qui se noue entre un panda et un jeune garçon, permettant à ce dernier de retrouver le goût à la vie grâce à cette rencontre.

A voir, la bande-annonce du film” Moon le panda”:

Autorisations chinoises pour filmer

Tourné dans un centre de recherche et de reproduction dédié aux pandas géants dans une réserve du Sichuan, ce film n’a été possible qu’avec l’accord des autorités chinoises. Ce qui n’était pas gagné d’avance, sachant qu’aucune autorisation de filmer avec cet animal n’avait, semble-t-il, plus été donnée depuis vingt-cinq ans.

Pour Gilles de Maistre, ce qui a fait pencher la balance est sans doute tout d’abord le fait que ce film est une “déclaration d’amour à la nature” et qu’il montre en toile de fond les difficultés et le travail effectué pour protéger cet animal en voie de disparition. Puis de poursuivre: “J’imagine aussi que mon parcours et ma façon de travailler avec les animaux avec beaucoup de respect les a touchés.”

Nous, on ne dresse pas les animaux. On collabore avec eux, on entre dans leur monde pour faire nos films

Gilles de Maistre, réalisateur de “Moon le panda”

Un mois de tournage en forme de défi

Une fois sur place, le tournage a aussi été un défi. Très encadrée par les responsables de la réserve, l’équipe du film a dû s’adapter aux comportements et aux caractères des animaux. De plus, les moments de tournage étaient très courts, les pandas passant beaucoup de temps à manger du bambou et à dormir.

“On savait qu’on aurait peu de temps avec le panda, que c’était exceptionnel et qu’il fallait profiter de chaque seconde. C’était un challenge et c’était compliqué, mais on a utilisé au mieux ce mois de tournage qui s’est très bien passé, parce qu’on était très calme. Et à chaque fois qu’on avait envie de tourner et que le panda était là, il y a eu des moments incroyables.”

Un vrai coup de foudre entre les pandas et l’acteur

Lors du tournage, le scénario a aussi dû être adapté à la réalité du terrain et des interactions possibles entre le panda et le jeune acteur. “C’est le deuxième miracle du film [après les autorisations de tournage]”, confie le réalisateur. Il y a eu un coup de foudre amical entre ces trois êtres: le bébé panda pour le début du film, un adulte pour la deuxième partie et l’acteur”. Jeune comédien franco-chinois, Noé Liu Martane a su créer cette relation. “C’est ce qui rend les images absolument incroyables”, estime Gilles de Maistre.

Une fiction qui a aussi un goût d’authenticité puisque le père et la soeur de Noé Liu Martane jouent à ses côtés. Et le réalisateur de préciser que les tensions entre le père et fils dans le film reflètent bien celles vécues dans la réalité au sein de cette famille connue en Chine.

World Opinions – RTS Culture

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Plus de 55’000 personnes ont célébré le cinéma fantastique lors de la 23e édition du Neuchâtel international fantastic film festival (NIFFF). Le jury international a décerné le prix H.R. Giger “Narcisse” de 10’000 francs au film scandinave “Handling the undead”.

Avec ce film, la réalisatrice Thea Hvistendahl a livré un premier long-métrage de fiction “au sein d’un palmarès de films engagés”, a indiqué samedi le NIFFF, lors de la clôture du festival. Cette oeuvre raconte les retrouvailles avec des proches récemment décédés et la difficulté de faire son deuil.

Voir la bande-annonce de “Handling the undead”

Un 2e long métrage réalisé par une femme, soit “Ennennum” de Shalini Ushadevi, a aussi été récompensé. “Ces deux œuvres proposent des visions singulières du cinéma de genre et font écho à la diversité artistique, thématique et géographique de la sélection”, a précisé le festival.

Une mention spéciale a été remise à “Cuckoo” de Tilman Singer, tandis que le prix Imaging The Future Award de 3000 francs est revenu à “I saw the tv glow” de Jane Schoenbrun. Le jury de la compétition internationale était composé de Saul Pandelakis (France), Ishan Shukla (Inde), Annick Mahnert (Suisse), João Pedro Rodrigues (Portugal) et Kourtney Roy (Canada).

Entrées cinéma en légère hausse

Les 124 projections du NIFFF, en provenance de cinq continents, ont fait près de 35’000 entrées cinéma, un chiffre en légère hausse depuis l’an dernier. Au total, plus de 55’000 festivaliers ont été dénombrés, contre 63’000 l’an dernier. Les conférences “ont eu un franc succès auprès d’un public toujours plus nombreux, et la Villa a donné une place de choix aux installations immersives et aux jeux vidéo”, ont expliqué les organisateurs.

Plus de 120 invités avaient fait le déplacement à Neuchâtel durant les dix jours du festival. L’actrice, réalisatrice, scénariste, productrice, chanteuse et DJ italienne, très engagée dans le mouvement #MeToo, Asia Argento était l’invitée d’honneur. La 24e édition du NIFFF se tiendra du 4 au 12 juillet 2025.

World Opinions – RTS Culture

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“Content Warning” invite les joueurs à se glisser dans la peau d’un influenceur à la recherche de monstres pour faire du clic. Ce jeu d’horreur humoristique, publié par un studio suédois indépendant, connaît un succès inattendu.

Jusqu’où serez-vous prêt à aller pour des likes et des vues ? “La liste de ce que font les influenceurs pour attirer l’attention est terrifiante”, rappelle The New York Times, citant quelques sinistres exemples – comme le youtubeur américain Logan Paul filmant la découverte d’un cadavre dans une forêt japonaise, fin 2017. Le jeu vidéo Content Warning, sorti le 1er avril sur PC, “pousse ce côté prêt-à-tout-pour-la-célébrité à des extrêmes délirants. Chaque joueur est un créateur de contenu qui s’aventure dans des usines abandonnées et des navires fantomatiques pour filmer des monstres tueurs.” Le but du jeu ? Recueillir le plus de vues sur une plateforme fictive, SpöökTube, en réalisant la vidéo la plus effrayante possible. Et empocher les revenus publicitaires.

Une des arguments de vente de Content Warning réside dans son mode multijoueur, avec un canal de communication audio qui intègre la localisation des avatars dans l’espace, relève Kieran Press-Reynolds. Ce n’est qu’une option, mais “c’est extrêmement utile pour planifier le tournage et organiser le retour de son groupe à la surface”, souligne de son côté Ashley Bardhan. La critique d’Eurogamer, un site spécialisé britannique, se méfiait au départ – “d’après mon expérience, les salons de discussion occupés principalement par des hommes sont parfois hostiles aux femmes” –, avant de se rendre compte que le second degré du jeu pousse les utilisateurs à ne rien prendre au sérieux. Ainsi, “malgré mes réserves, c’est l’absurdité des discussions qui représente le meilleur élément de Content Warning”. Sans vraiment d’intrigue, l’intérêt du jeu repose grandement sur les interactions avec les autres explorateurs.

Succès éclair

Les studios Landfall ont publié Content Warning comme poisson d’avril. Ces développeurs suédois sont habitués des parodies, explique PC Gamer, qui relève des clins d’œil au jeu d’horreur Lethal Company. Mais le succès rencontré n’a rien d’une blague : pendant les premières vingt-quatre heures, où le titre était disponible gratuitement, il a été téléchargé 6 millions de fois. Puis plus de 1 million de copies ont été vendues dans les deux semaines qui ont suivi. “Content Warning touche particulièrement juste en cette époque où beaucoup d’enfants souhaitent devenir influenceur”, avance le New York Times.

“Il permet aux joueurs d’avoir une microdose de célébrité momentanée, avec pics de dopamine quand tout marche et horrible descente quand ils font un flop.”

La critique d’Eurogamer n’est pas convaincue que cette popularité s’inscrira dans la durée. Mais pour Elie Gould, du magazine britannique PC Gamer, Content Warning vaut le détour, ne serait-ce que pour se faire poursuivre par l’homme-escargot. “C’est terrifiant, hilarant et truffé de cryptides fascinants qu’on peut découvrir et documenter pour sa chaîne SpöökTube.”

Par Hugo Florent – courrierinternational.com

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Une cour d’appel de New York a annulé jeudi la condamnation pour viol et agressions sexuelles de l’ex-producteur star d’Hollywood Harvey Weinstein en 2020, estimant que des erreurs de procédure avaient été commises durant le procès. Le tribunal a ordonné un nouveau procès.

Durant le procès, des témoignages portant sur d’autres faits que ceux commis contre les personnes plaignantes avaient notamment été admis “de façon erronée”, selon l’une des juges de la cour d’appel. Or ces témoignages avaient “dépeint une image hautement préjudiciable” d’Harvey Weinstein.

“La solution à ces erreurs choquantes est un nouveau procès”, a poursuivi cette juge.

“Avec cette décision, la cour continue à contrecarrer les victoires régulières pour lesquelles les survivantes de violences sexuelles se sont battues”, a pour sa part écrit une autre juge qui s’est prononcée contre la décision. “Les femmes qui portent le traumatisme de violences sexuelles et les blessures des témoignages répétés sont oubliées”, a-t-elle ajouté.

Deux condamnations

Harvey Weinstein, 72 ans, avait été condamné à 23 ans de prison à New York en 2020 pour viol et agression sexuelles. Puis en 2023, l’ex-producteur a été condamné à 16 ans de prison à Los Angeles pour des faits similaires.

Le producteur déchu, qui n’a jamais reconnu publiquement autre chose que des relations consenties, est actuellement détenu dans une prison de l’Etat de New York.

Le mouvement #MeToo avait été déclenché par les révélations sur le comportement de prédateur sexuel d’Harvey Weinstein, dont l’influence sur Hollywood était par le passé immense. Ces condamnations avaient constitué d’immenses victoires pour le mouvement.

World Opinions + Agences

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Le distributeur de Swashbucker Films Sébastien Tiveyrat nous explique pourquoi il sortira le nouveau film de Roman Polanski, « The Palace », le 15 mai prochain au cinéma.

Dès le tournage, en avril 2022, de cette satire située au passage de l’an 2000 dans un palace à Gstaad, le film provoque l’ire de nombreuses personnes mécontentes que Roman Polanski puisse encore réaliser des films en toute impunité, malgré les accusations d’abus sexuel le visant.

Il l’assume sans détour : Sébastien Tiveyrat a acheté les droits de « The Palace » de Roman Polanski sans avoir vu le film. « Je le verrai le 15 mai prochain dans une salle de cinéma avec le public, à la première séance de 14 heures. Je reste avant tout un spectateur qui veut découvrir une grande œuvre sur grand écran. Je veux faire plaisir aux fans de cinéma. » Car oui, ce n’est pas par désir d’alimenter le feu de la polémique ou contre le wokisme qu’il a acquis les droits du dernier film en date de Roman Polanski, mais bien par cinéphilie. « C’est un génie de la mise en scène qui a signé de nombreux chefs-d’œuvre », explique-t-il, pour motiver son achat.

La co-production italo-franco-polono-suisse reçoit un accueil critique glacial lors de sa présentation au Festival de Venise en août dernier. Le film embarrassant sort en catimini dans les salles italiennes et allemandes, mais pas en France.

Pour la Suisse, cela s’est fait prudemment et tient du feuilleton rocambolesque, comme l’explique Jean-Pierre Grey, distributeur helvétique de “The Palace” dans l’émission Vertigo du 11 avril: “J’ai été contacté par le co-producteur suisse Jean-Louis Porchet. Il avait eu quelques difficultés à convaincre des distributeurs plus établis que moi pour promouvoir le film. J’ai accepté avec d’autant plus de plaisir que j’avais déjà distribué à l’époque un film de Roman Polanski, “Tess” (ndlr: 1979)”.

Fortes résistances autour de la personnalité de Polanski

Si Jean-Pierre Grey anticipait des réticences par rapport à la distribution de “The Palace”, il ne doutait pas que cela serait à ce point-là: “Je crois que quand tout le monde s’est mis autour de la table pour produire le film, personne n’envisageait de telles résistances autour de la personnalité de Roman Polanski”.

Fin 2023, “The Palace” de Polanski sort dans un cinéma de Gstaad. Et rencontre le plus gros succès jamais enregistré dans cette salle depuis son ouverture. De bon augure pour la sortie en Suisse alémanique, début 2024? Pas vraiment. Seules une trentaine de localités ont diffusé le film, mais le public n’est pas largement au rendez-vous, indique Jean-Pierre Grey pour qui il faut remonter à une lointaine époque pour retrouver des films aussi problématiques à sortir au cinéma.

Une débandade pour le cinéaste

Après ce bide en Suisse alémanique en début d’année, il faut attendre le 10 avril pour une sortie dans les salles romandes. Une distribution assez large est intialement prévue, avant que finalement le film ne soit projeté que dans trois salles à Genève, Lausanne et Oron. Le film sortira toutefois sur la plateforme blue Cinema prochainement. Voir Polanski relégué aux plateformes constitue ainsi une vraie débandade pour le réalisateur de “Chinatown”, “Rosemary’s Baby” ou “Le pianiste”.

World Opinions + Agences

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Pour son documentaire “Mon pire ennemi”, le réalisateur Mehran Tamadon a demandé à des Iraniens et Iraniennes réfugiés politiques en France de l’interroger face caméra de la même manière que les agents du régime. Avec comme volonté de confronter les vrais tortionnaires en Iran, afin de les ébranler.

Mojtaba, Hamzeh, Zar et d’autres ont subi des interrogatoires idéologiques en Iran, à différentes périodes de leur vie. Mehran Tamadon, le réalisateur de “Mon pire ennemi”, leur demande de l’interroger, lui, tel que pourrait le faire un agent de la République islamique. Il aimerait ensuite que les vrais tortionnaires en Iran se voient à travers le film comme s’ils se regardaient dans un miroir.

L’expérience violente de se mettre réellement dans la tête du bourreau confronte les anciennes victimes à ce qu’elles sont prêtes à faire et aux limites du projet lui-même.

Dans le documentaire, l’actrice et réalisatrice Zar Amir Ebrahimi tient une place importante. Elle-même a subi en Iran des mois d’interrogatoires violents à l’âge de 27 ans, en 2008, isolée chez elle, suite à la publication d’une vidéo intime sur le net. Pour le film, l’actrice a replongé dans ses souvenirs et son expérience douloureuse. “C’est très difficile pour moi de regarder ce film, je ne m’y aime pas, je me déteste presque. En tant qu’actrice, mes traumas sont devenus au bout d’un moment mes outils de travail”, explique-t-elle dans le 19h30 du 18 janvier.

>> A voir: la bande-annonce de “Mon pire ennemi”

Interrogatoire sans pitié

Le documentaire a été tourné durant trois jours, avec des plans non interrompus pendant deux heures. Zar Amir Ebrahimi avait préparé quelques questions et enquêté sur le réalisateur, mais aucun des dialogues du film n’avait été écrit à l’avance. Le parallèle entre l’omnipotence du réalisateur et de ce qu’il fait vivre à ses personnages pour arriver à ses fins est notamment interrogé sans relâche par l’actrice, qui s’est muée en inquisitrice sans pitié.

“Pendant la nuit, j’enfermais le réalisateur là où nous tournions, je rentrais chez moi, mais je ne pouvais pas dormir. Et tout la nuit, je me demandais: comment font les bourreaux? Est-ce qu’ils arrivent à vivre une vie normale? Est-ce que leurs traumas ne ressortent pas d’une façon ou d’une autre durant la journée? (…) Ce sont vraiment des questions profondes”, indique Zar Amir Ebrahimi.

Ne pas baisser les bras

Prix d’interprétation féminine au Festival de Cannes en 2022 pour “Les nuits de Mashhad”, film dans lequel elle joue une journaliste qui enquête sur des féminicides dans une ville iranienne, Zar Amir Ebrahimi a été happée comme d’autres artistes epar la mort de la jeune Mahsa Amini (décédée en détention en 2022 après avoir été interpellée par la police pour avoir mal porté le voile islamique) et se bat au côté du mouvement iranien “Femme, vie, liberté”.

En été 2023, elle a présenté au festival de Locarno le film “Shayda”, dans lequel elle incarne une jeune mère iranienne vivant en Australie qui se sépare d’un mari violent. Avec “Mon pire ennemi”, de l’autre côté du miroir, l’actrice s’inspire de son propre vécu et garde l’espérance d’un changement à venir.

World Opinions – RTS Culture

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Alors que sort sur les écrans le film de Ridley Scott, précédé de critiques plutôt sévères en France, nous avons demandé à un cinéaste familier de l’empereur – puisqu’il a restauré le légendaire “Napoléon” d’Abel Gance – de nous donner ses sentiments, qui sont très partagés, sur cette nouvelle évocation du destin hors du commun de Bonaparte.

Le Britannique Ridley Scott ajoute son nom à la longue liste des cinéastes ayant mis en scène Napoléon. C’est l’acteur oscarisé Joaquin Phoenix qui endosse le costume du célèbre empereur français dans ce film de petit maître qui se fiche éperdument de son sujet.

1793. Marie-Antoinette se fait guillotiner sous les yeux d’une foule en liesse et d’un jeune lieutenant: Napoléon Bonaparte (Joaquin Phoenix). Aspirant à rejoindre les destinées de César et d’Alexandre Le Grand, le Corse un rien mégalo prouve ses talents stratégiques en libérant Toulon du joug des Anglais.

Promu général, Napoléon devient une figure majeure de la politique française après la Terreur. Sa rencontre avec Joséphine de Beauharnais (Vanessa Kirby) scelle un amour passionnel et conflictuel qui guidera la vie du futur empereur jusqu’à sa mort, en 1821, après six années d’exil sur l’île Sainte-Hélène.

Une scène du film “Napoléon” de Ridley Scott. [Sony Pictures]

Une enfilade de séquences

Les historiens ont déjà aboyé contre les erreurs historiques de ce “Napoléon”, fresque à la fois spectaculaire et intimiste. On est en droit d’ignorer leurs remontrances pour se focaliser sur la vision d’un cinéaste sur un personnage iconique. Bref, s’intéresser au film, rien qu’au film, d’autant plus prometteur que Ridley Scott a débuté sa carrière avec l’extraordinaire “Duellistes” (1977), récit de la folie vengeresse d’un lieutenant pendant les guerres napoléoniennes, et qu’il a porté un regard singulier sur la Rome antique (“Gladiator”), la découverte de l’Amérique (“1492: Christophe Colomb”) et les croisades (“Kingdom of Heaven”).

Mais au bout d’une heure de ce “Napoléon” qui ressemble à une enfilade de séquences expédiées comme autant de boulets de canon, on en vient à sérieusement se demander ce qui a intéressé le réalisateur dans ce projet.

Une interminable partie de “Risk”

Si l’on ne peut nier le savoir-faire de Ridley Scott, les scènes de bataille sont grandioses, l’image est soignée, le travail d’artisan est indéniable, on reste bien plus sceptique sur l’intérêt de ce “Napoléon” qui fait défiler les scènes et les personnages comme on feuillette un album d’images dénué de chair et de cœur. Le cinéaste tente de tout faire rentrer dans ses deux heures quarante-cinq insuffisantes à contenir l’existence entière de Bonaparte. Austerlitz, le siège de Toulon, la campagne d’Egypte, Waterloo: les moments forts se succèdent sans regard fort et laissent le sentiment d’un cinéaste en train de jouer en solitaire à une interminable partie de “Risk”.

On se raccroche alors à autre chose. Une vision de Napoléon Bonaparte originale et captivante? On aura vaguement droit au portrait d’un adolescent attardé, piètre amant, génie stratégique et mégalomane patenté, que Joaquin Phoenix incarne avec des moues apathiques au moment de diriger ses troupes sur les champs de bataille (un doigt en l’air et les canons tirent, un léger signe de la main et la cavalerie déboule, un froncement de sourcil et les fantassins chargent). A ce stade, on se dit que Ridley Scott n’en a strictement rien à faire de son héros négligé.

Beaucoup de bruit pour rien

On se tourne vers le fil rouge annoncé de ce “Napoléon”: l’amour obsessionnel que Bonaparte porte à la femme de sa vie, Joséphine, restitué par les échanges épistolaires lus en voix off à intervalles réguliers par les principaux intéressés. Mais entre les problématiques de fidélité, de procréation, de dépendance réciproque et de domination mutuelle, cette relation censée être le coeur du film accouche d’une représentation à l’écran plus théorique qu’incarnée, Ridley Scott traitant par-dessus la jambe la mort de Joséphine.

Quant à une quelconque dimension politique, sur une France déchirée de toute part, sur la soif belliqueuse et colonialiste de Bonaparte (la fin du film nous rappelle qu’il a initié 61 batailles, causant trois millions de soldats morts), sur les résonances du personnage avec une quelconque figure contemporaine, on aura beau fouiller, en vain, contraint de se dire que Ridley Scott a tourné en pilotage automatique une œuvre qui n’a rien d’autre à dire que sa propre autosuffisance.

Beaucoup de bruit pour pas grand-chose avec ce “Napoléon” qui sera diffusé dans quelque temps, dans une version longue, sur la plateforme d’Apple TV+, coproductrice du film. Désolé, on aura piscine.

World Opinions + Agences

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Les amateurs devront se confronter à une machine qui ne pèse pas moins de 3,5 tonnes pour faire comme dans leurs films préférés.

Devenir le pilote de Goldorak ou de l’un de ces autres robots géants issus des dessins animés nippons est un rêve devenu réalité pour le Japonais Ryo Yoshida, créateur d’un monstre piloté de l’intérieur. Avec ses 4,5 mètres de haut et ses 3,5 tonnes, “Archax” se meut à une vitesse de 10km/h grâce au pilote perché dans son cockpit high-tech. Et ce dernier déploie à sa guise les 26 articulations dont deux énormes mains, via deux manettes, deux pédales et un écran tactile.

Comme dans les films SF

“Je veux que les rêves des gens deviennent réalité. Le rêve que nous avions lorsque nous étions enfants, celui de monter dans un robot et de le diriger comme dans les films de science-fiction”, explique Ryo Yoshida, le jeune patron de la start-up Tsubame Industries. Les amateurs du dessin animé Goldorak, de la saga Transformers ou du film Pacific Rim pourraient être tentés. “C’est un engin qui permet aux gens d’avoir un petit goût de ce monde [de science-fiction]“, raconte à l’AFP cet entrepreneur de 25 ans dans les allées du salon Japan Mobility Show, où sa machine valant 3 millions de dollars est l’une des grandes attractions. 

Quant à l’utilisation de ces engins, Ryo Yoshida oscille entre le ludique, comme des combats de robots, et le pratique, comme des missions de déblaiements de décombres après des désastres ou de constructions. Mais son objectif n’est pas uniquement de développer des robots, il veut surtout créer un système qui intégre le pilote et la machine. “L’idée n’est pas que le pilote se contente de monter à bord et de piloter mais qu’il devienne le robot, comme si lui-même devenait gigantesque”, affirme ce passionné.

World Opinions – France Culture– AFP

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Giulia Tonelli est danseuse étoile à l’Opéra de Zurich. De retour de congé maternité, elle doit se réapproprier son corps dans un monde compétitif et exigeant, tout en assumant son nouveau statut de mère. Dans le documentaire “Becoming Giulia”, Laura Kaehr se penche sur le parcours de cette femme d’exception.

>> A voir, la bande-annonce de “Becoming Giulia”:

Durant trois ans, la réalisatrice Laura Kaehr a filmé le quotidien et le monde de Giulia Tonelli. Par le biais de la danseuse, les spectateurs découvrent les coulisses de l’Opéra de Zurich, mais aussi les scènes plus intimes des bains ou des repas pris avec son fils. Entre le cocon familial et le monde très compétitif de la danse, le contraste est saisissant.

Pourquoi Giulia?

Giulia Tonelli et Laura Kaehr ont beau partager l’amour de la danse et l’italien pour langue maternelle, rien ne prédisposait la réalisatrice tessinoise à faire un documentaire sur la danseuse étoile.

Ce sont les craintes de celle-ci de revenir sur scène qui ont joué le rôle de déclencheur. “J’ai tout de suite compris cette peur qu’ont les femmes de concilier vie de famille et carrière, d’autant plus quand elles ont de grandes ambitions”, confie Laura Kaehr à la RTS. Et la réalisatrice de poursuivre “Je me suis dit que cette histoire allait profondément toucher le public”.

De nombreux écueils

Ce n’est un secret pour personne: la maternité transforme le corps des femmes. Et les difficultés sont plus nombreuses quand le corps est un outil de travail. Après sa grossesse, la cage thoracique et les hanches de la danseuse se sont élargies. Elle doit non seulement récupérer masse musculaire et souplesse, tout en adaptant certaines positions comme les portés.

Guilia Tonelli doit également faire face aux nombreux préjugés qui règnent encore dans le monde de la danse. Depuis qu’elle est mère, les rôles qu’on lui attribue sont limités. Terminé le rôle de la “jeune ingénue” qu’on retrouve très souvent dans des ballets comme “Roméo et Juliette” ou “Casse-noisette”. “C’est l’une des raisons pour lesquelles, pendant longtemps, les danseuses ne faisaient pas d’enfants durant leur carrière”, explique Laura Kaehr, avec ce diktat sous-jacent qu’on “donne son corps à la danse”.

Le jeune femme se bat avec force et courage pour être une mère présente et rester une danseuse d’exception. “Becoming Giulia” lui rend hommage tout en questionnant la place des femmes dans le monde du ballet. Pour la réalisatrice Laura Kaehr, les femmes chorégraphes seront le moteur de ce changement, en apportant de nouveaux rôles.

World Opinions – RTS Culture

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